Untitled Ceremony #03, by Eva Wittocx
Originally printed in the book "Untitled", 2014, published by Casino Luxembourg, designed by Inge Ketelers

Art is not about itself but the attention we bring to it. The creative act is not performed by the artist alone; the spectator brings the work in contact with the external world by deciphering and interpreting its inner qualifications and thus adds his contribution to the creative act. Marcel Duchamp (1)

In the performance Untitled Ceremony #03, which is part of her project Walk in Beauty, Béatrice Balcou invites us to contemplate our understanding of time and how we look at things – in particular works of art. As an artist-in-residence at Casino Luxembourg, the artist worked with a group of seven performers, most of whom had no professional experience, to create a quiet ceremony that focused on a work by Bojan Šarčević (which had been borrowed from the collection of Mudam Luxembourg). In a certain way, Balcou stages an encounter between the work and the spectator in the exhibition space. The performances take place twice a week, outside the usual opening hours. On these days Casino Luxembourg is open only to present this performance – which is thus not aimed at the accidental visitor who happens to pass by, but at those who deliberately come to see it.

Balcou goes further than Marcel Duchamp, who at the beginning of the twentieth century claimed that art has to do with the attention the spectator devotes to the work. Duchamp’s ready-mades are about what it means to present something within an art context, how the meaning of an object can change, how something acquires value. Balcou, by contrast, is interested in a focused attention that is directed towards the materiality of the work of art and towards viewing behaviour as such. In this context, the work of art is not an ephemeral image that must be recognized or consumed quickly – it is a physical materiality.

Most of the works in art collections have their own score, their manual or some document that specifies how the work should be preserved and presented to the public in optimal conditions. Balcou is precisely interested in these codes and in the technical particularities that must be met to handle the work. White gloves, tools and packing materials, photographs and written instructions ... All of these elements are telltale of the attention and the extreme care given to objects and works of art. Whereas in her earlier performances the artist took part herself, on this occasion she has enlisted the help of a group of non-professionals and has delegated the actual performance to people who are not particularly familiar with the visual arts. Because of that, the whole of the co- des and behaviour acquires a special dimension.

During her stay in residence, the artist and the performers have worked together with professio- nal staff from Mudam Luxembourg. In Untitled Ceremony #03, three actors perform a series of gestures to retrieve items from a box and remove carefully the protective wrapping around each item. In the short span of time of Untitled Ceremony #03, the spectator is invited to articulate his or her view of art. Equipped with diagrams and instruction leaflets, three persons arrange the items one by one in the showcase destined for the work, the front of which is turned to the public. After a brief moment of shared contemplation, during which the public also discovers the work through the eyes of the performers, the work is returned to its shipping box.

The performance is executed with extreme precision and lasts for forty minutes. The performers do not indulge in presenting a show – they merely focus on presenting the work of art. They ex- change only a minimum of words, and when they do, they do so for practical purposes. The lender of the work has advised them with regard to every gesture and every action that involves handling the work, and the performers pay meticulous attention to everything they do. Through this pro- cess the spectator learns to appreciate the work more fully, as well as the technical skills that are required for its presentation. In a certain sense, the value of the work increases. At the same time, almost paradoxically, the work is also demystified, for we learn about the installation of the work and its manipulation, about the caution required and the conditions that are prerequisite to make the work possible. Furthermore, the performance takes place in the exhibition space where ele- ments that have to do with its preparation are also visible: there is a wooden copy of the work that was used to practise, and a photograph with traces of fluorescent orange paint that shows how to touch the work when manipulating it. These elements help to contextualise the frailty and value of the work. The silk veils that have been hung also add to the sacred and hidden character of the events that take place in the public glass space. In the course of the performance, all these different – apparently contradictory – aspects create a tension that comes together in a unique fragment of time: the moment we contemplate Bojan Šarčević’s sculpture.

A study conducted in various museums has revealed that the public contemplates a work of art on average for between two and seventeen seconds. The average spectator actually spends more time reading the captions and texts on the wall than looking at the works themselves. In his book How to Use Your Eyes, James Elkins writes about people who every day of their whole adult life go to the museum to look at just one painting: “You have to listen to it, and think something in response, and look again, and see how the work has changed. You have to believe that you can have an ongoing, evolving relationship with something that is unchanging. Many people might say that is impossible. Looking for a long time is not the usual way people see artworks. The usual interaction with an artwork is a glance or a glimpse or a cursory look. What I have in mind is not just glancing, but looking, staring, gazing, sitting or standing transfixed: forgetting, temporarily, the errands you have to run, or the meeting you’re late for, and thinking, living, only inside the work. Falling in love with an artwork, finding that you somehow need it, wanting to return to it, wanting to keep it in your life.”(2)

In Untitled Ceremony #03, the performers accompany us in an attentive experience of the work: no cursory, superficial glances – we take the time to contemplate the work in ideal circumstances. During a ceremony that unfolds in absolute serenity the performers lead our glance as if we were living a magical moment. The time we spend in front of the work is stretched and draws us into a different mode of attention. The composure radiated by the three performers plays an essential part here. Their attitude is in fact completely neutral – their practical gestures and actions are not coloured by their emotions or the expressions on their face. Balcou refers to a certain “absorption” in the now of the moment. The glance of the performers initiates and completes their actions. Their calm is passed on to the public. The performance makes the public more conscious of things and of themselves, precisely by emphasising the materiality of objects, of works of art, tools, glances, gestures, space, time, the performer and the spectator. The artist refers to the Japanese tea ceremony, with its carefully orchestrated gestures, or to a frame of mind that is related to yoga, a discipline in which body and mind are entirely in harmony.

This attitude is radically different from the one we adopt when we do things routinely or move on automatic pilot. The different levels of consciousness that guide our daily actions are described by Virginia Woolf in her autobiographical text A Sketch of the Past (1939). Woolf distinguishes between actions in everyday life that we really experience (moments of being) and those we do not experience consciously (moments of non-being) (2). What makes these actions different is not their nature, but the intensity of the feeling that accompanies them. According to Woolf, the moments we experience intensely make us understand better the essence of life. They open a window onto a much vaster dimension beyond the superficiality of the everyday. It is precisely this sort of experience we get access to during Balcou’s performance: during the ceremony – the encounter between the work and the spectator – we are, for a brief moment, more aware of the here and now.

At a time when everyone is constantly photographing the surroundings and sharing images (and works of art) on Internet and the social media, the focus is in this instance on the object as a physical and material entity. In this performance, Balcou succeeds in exposing so-called hidden situations and making us aware of the specific construction of the work of art. Unlike performances that seek an emphatic link with theatre or dance, Balcou’s new work subscribes to the serenity that is typical of the visual arts. And unlike in the artist’s performances Untitled Ceremony #01 and #02, in this case language – which always fails to translate reality adequately – is banned. Untitled Ceremony #03 does not tell a story. It is being itself that is inscribed in a temporary, specific frag- ment of space, of time, of the spectator. In today’s consumer society in which an incessant stream of images sponges on our attention and concentration, the work of Bojan Šarčević, selected among so many other works, becomes – thanks to Béatrice Balcou’s performance – the focus of all attention, the symbol of an instant that tears itself loose from the everyday hustle and bustle of social life.

Translated from the French by Dirk Verbiest

(1) Michel Sanouillet and Elmer Peterson (eds.), The Writings of Marcel Duchamp (Boston (Mass.): Da Capo Press, 1973). (2) James Elkins, “How Long Does it Take to Look at a Painting”, in: The Huffington Post, 11 August 2010. See also James Elkins, How to Use Your Eyes, (New York/London: Routledge, 2000).
(2) “A Sketch of the Past”, in: Virginia Woolf, Moments of Being, ed. Jeanne Schulkind (London: The Hogarth Press, 1976).


Béatrice Balcou – Untitled Ceremony #03 , par Eva Wittocx
Initialement imprimé dans le catalogue accompagnant l'exposition Walk in Beauty au Casino Luxembourg, 2014, conçu par Inge Ketelers

Le propos de l’art n’est pas l’art en soi, mais l’attention qu’on lui porte. L’acte de créer n’appartient pas à l’artiste seul ; le spectateur met l’œuvre en contact avec le monde extérieur en déchiffrant et interprétant ses qualités intrinsèques, et apporte donc sa contribution à l’acte créatif. Marcel Duchamp (1)

Dans la performance Untitled Ceremony #03, réalisée dans le cadre de son projet Walk in Beauty, Béatrice Balcou nous invite à contempler la manière dont nous appréhendons le temps et regardons les choses — en particulier les œuvres d’art. Lors de sa résidence au Casino Luxembourg, l’artiste a travaillé avec un groupe de sept performers, la plupart sans expérience professionnelle, pour créer une cérémonie toute en silence autour d’une œuvre de Bojan Šarčević, empruntée à la collection du Mudam Luxembourg. Béatrice Balcou met en quelque sorte en scène la rencontre entre l’œuvre d’art et le spectateur dans l’espace d’exposition. Les performances ont lieu deux fois par semaine, en dehors des heures d’ouverture habituelles. Le Casino Luxembourg n’est alors ouvert que pour cette seule et unique œuvre qui ne s’adresse donc pas au simple passant mais à ceux qui sont sciemment venus assister à la performance.

Béatrice Balcou va plus loin que Marcel Duchamp qui, dès le début du vingtième siècle, postulait que l’art résidait dans l’attention que le spectateur accordait à l’œuvre. Ses ready-mades traitent du sens qu’il y a à présenter une chose dans un contexte artistique, de la manière dont le sens d’un objet peut changer et de la façon dont une chose acquiert de la valeur. Béatrice Balcou, en revanche, s’intéresse à une attention davantage focalisée sur la matérialité de l’œuvre d’art et sur le comportement en soi de celui ou de celle qui regarde. Ici, l’œuvre n’est pas une image éphémère à reconnaître rapidement ou à consommer mais une matérialité physique.

La plupart des oeuvres qui constituent les collections ont leur propre partition, un mode d’emploi ou un document précisant comment les conserver ou les présenter au public de manière optimale. Béatrice Balcou s’intéresse à ces codes et aux gestes techniques nécessaires à la manipulation de l’oeuvre. gants blancs, instruments de travail et matériaux d’emballage, photos et instructions écrites ... Tous ces éléments dénotent d’une attention et d’un soin extrêmes pour les objets, pour les oeuvres d’art. Alors que dans ses performances précédentes, l’artiste agissait elle-même, elle a cette fois fait appel à un groupe de non-professionnels et a délégué l’exécution à des personnes peu coutumières des arts plastiques. du coup, l’ensemble des codes et des comportements prend une dimension particulière.

Pendant la résidence, l’artiste et les performers ont collaboré avec les régisseurs professionnels du Mudam Luxembourg. Dans Untitled Ceremony #03, trois performers exécutent une série de gestes pour déballer la caisse et débarrasser soigneusement chaque composant de son emballage protecteur. Dans le court espace-temps de Untitled Ceremony #03, le spectateur est invité à aiguiser le regard qu’il porte sur l’art. Munies de schémas et d’instructions d’installation, trois personnes disposent un à un les éléments dans la vitrine de l’œuvre, vue de face par le public. Après un bref instant de contemplation commune, pendant laquelle le public découvre l’œuvre – en partie aussi à travers le regard des performers, celle-ci redisparaît dans son emballage et dans sa caisse de transport.

Cette performance, qui est exécutée avec une précision extrême, dure quarante minutes. Les performers ne se donnent pas en spectacle, ne font pas de représentation ; tout est axé sur la présentation de l’œuvre d’art. Les quelques mots qu’ils échangent sont d’ordre pratique et limités au minimum. Le prêteur de l’œuvre a donné ses conseils pour chaque geste et chaque manipulation, auxquels est accordée la plus grande attention. Ce processus conscientise le spectateur qui valorise dès lors davantage l’œuvre et les compétences techniques qui vont de pair avec sa présentation. Dans un certain sens, la valeur de l’œuvre augmente. En même temps et de manière presque paradoxale, l’œuvre est également démystifiée puisqu’on découvre son installation, sa manipulation, les précautions prises et les conditions marginales qui la rendent possible. En outre, la performance se déroule dans l’espace d’exposition où ce qui a trait à sa préparation est également visible : une réplique en bois de l’œuvre permet de s’exercer et une photo, sur laquelle, grâce à de la peinture orange fluo, on peut repérer les endroits où toucher l’œuvre lors de sa manipulation. Ces éléments contribuent à contextualiser la fragilité et la valeur de l’œuvre. Les voiles en soie tendues dans la pièce ajoutent encore au caractère sacré et caché des événements se déroulant dans cet espace public en verre. Au fil de la performance, les différents aspects – apparemment contradictoires – qui créent une tension se rejoignent en un moment unique, celui de la contemplation de la sculpture de Bojan Šarčević.

Une enquête menée dans différents musées a révélé que le public contemple une œuvre en moyenne entre deux et dix-sept secondes. Il passe en fait plus de temps à lire les légendes et les explications qu’à regarder l’œuvre elle-même. Dans son livre How to Use Your Eyes consacré aux personnes qui, pendant toute leur vie d’adulte, vont chaque jour au musée pour voir un seul tableau, James Elkins écrit : « Il faut l’écouter, penser à une chose qui fait écho en soi, puis regarder à nouveau et voir comment l’œuvre a changé. Il faut croire qu’on peut avoir une relation permanente, évolutive, avec quelque chose d’immuable. Nombreux sont ceux qui disent que c’est impossible. Les gens n’ont pas l’habitude de regarder longtemps une œuvre d’art. En général, l’interaction se résume à un coup d’œil rapide ou un regard furtif. Ce que j’ai en tête n’est pas un simple regard à la sauvette, mais regarder, fixer, se poser ou se trouver comme hypnotisé : oublier, le temps d’un instant, la vie trépidante que l’on mène, la réunion à laquelle on est en retard, et penser, vivre, uniquement à l’intérieur de l’œuvre. Tomber amoureux d’une œuvre, découvrir que – quelque part – on en a besoin, avoir envie de retourner la voir, de la garder dans sa vie. »(2)

Dans Untitled Ceremony #03, les performers nous accompagnent dans une perception attentive de l’œuvre d’art : pas de regard furtif ni superficiel mais un regard qui prend le temps de contempler l’œuvre dans des circonstances idéales. Au cours d’une cérémonie qui se déroule dans la sérénité la plus complète, les performers accompagnent notre regard comme s’il s’agissait d’un moment magique. Le temps que l’on passe devant une œuvre est prolongé et nous entraîne dans un autre mode d’attention. Le calme qui émane des trois performers joue ici un rôle essentiel. Ils sont en fait totalement neutres, sans expressions ni émotions susceptibles de colorer leurs gestes pratiques et leurs agissements. Béatrice Balcou parle d’un certain « absorbement» dans le moment présent. Le regard initie et clôture leurs gestes. Leur calme se transmet au public. La performance rend le public plus conscient des choses et de soi, précisément en mettant l’accent sur la matérialité des objets, des œuvres d’art, des instruments, des regards, des gestes, de l’espace, du temps, du performer et du spectateur. L’artiste fait référence à la cérémonie du thé japonaise, avec ses gestes minutieusement orchestrés, ou encore à un état d’esprit semblable au yoga, où le corps et l’esprit sont totalement alignés.

Cette attitude est radicalement opposée à tout ce que nous faisons par routine ou en pilote automatique. Les différents niveaux de conscience qui guident nos actes quotidiens sont décrits par Virginia Woolf dans son texte autobiographique A sketch of the Past (1939). Elle y fait une distinction entre les actes que nous vivons réellement au quotidien (moments of being) et ceux que nous ne vivons pas consciemment (moments of non being).(3) Ce qui change essentiellement, ce n’est pas la nature de l’acte mais l’intensité du ressenti. selon Virginia Woolf, les moments vécus dans l’intensité procurent une meilleur compréhension de l’essence de la vie. Ils ouvrent sur la perception d’une dimension plus vaste sous-jacente à la superficialité du quotidien. c’est ce type de ressenti auquel on accède lors de la performance de Béatrice Balcou : pendant la cérémonie - la rencontre entre l’oeuvre et le spectateur - nous sommes, l’espace d’un instant, davantage conscients de l’ici et du maintenant.

À une époque où chacun est en permanence en train de photographier son environnement et de partager des photos (et des oeuvres d’art) via internet et les médias sociaux, l’objet est ici posé de manière centrale dans sa dimension physique et matérielle. Dans cette performance, Béatrice Balcou parvient à révéler des situations soi-disant cachées et à nous faire prendre conscience de cette construction particulière qu’est une œuvre d’art. Ce nouveau travail de l’artiste, contrairement à des performances clairement plus proches du théâtre ou de la danse, renoue avec la sérénité propre aux beaux-arts. Contrairement à ses autres performances intitulées Untitled Ceremony (#01 et #02), le langage – toujours lacunaire lorsqu’il s’agit de traduire avec précision la réalité – est ici proscrit. Untitled Ceremony #03 ne raconte pas d’histoire. C’est l’être lui-même qui s’inscrit dans un segment temporaire spécifique d’espace, de temps et de spectateur. Dans une société de consommation, où le flux d’images incessant parasite notre attention et notre concentration, l’œuvre de Bojan Šarčević, choisie parmi tant d’autres, devient ici, à travers la performance de Béatrice Balcou, le centre de toutes les attentions, le symbole d’un instant qui s’arrache au tumulte et à l’agitation quotidienne de la vie sociale.

Traduit du néerlandais par Alain Kinsella

(1) Michel Sanouillet et Elmer Peterson (éd.) 1973, The Writings of Marcel Duchamp, Boston (Mass.), Da Capo Press. Pour le passage cité ici : traduction libre du traducteur.
(2) James Elkins, «How Long Does it Take to Look at a Painting », The Huffington Post, 11 août 2010. Voir également, James Elkins, How to Use Your Eyes, New York/Londres, Routledge, 2000. Pour le passage cité ici : traduction libre du traducteur.
(3) “A Sketch of the Past”, in: Virginia Woolf, Moments of Being, ed. Jeanne Schulkind (London: The Hogarth Press, 1976).